Создание образа в музыке — это сложно структурированный процесс, требующий от исполнителя не только технического мастерства, но и глубокого понимания композиции, её эмоций и смыслов. Образное выражение позволяет творческой личности передать свои чувства и мысли, сделать исполнение уникальным и запоминающимся.

В этой статье вместе с педагогами музыкальной школы «Браво» мы рассмотрим ключевые этапы формирования художественного образа, а также значение профессионализма преподавателя.

1. Анализ — это первая и наиболее важная стадия работы над отображением мелодии.

На этом этапе музыкант постигает структуру композиции, её ключевые моменты, динамику и эмоциональные изменения.

Она может занять дни или недели, в зависимости от сложности сочинения. Например, разбор сонаты Бетховена будет более трудоёмким, чем обсуждение не слишком замысловатых пьес современных композиторов.

На этом этапе читаются и изучаются ноты, анализируются аккорды и мелодия, исследуются изменения в громкости и ритме.

Чтобы сократить срок его прохождения, целесообразно чтение партитуры с карандашом, выделение акцентов, прослушивание разных интерпретаций, для открытия разнообразных подходов.



2. Осознание эмоционального контекста

В этом отрезке времени приходит осознание, какие чувства и идеи заложены в творчество. Какую историю оно рассказывает? Какова его атмосфера?

Этот этап может занимать от нескольких дней до нескольких месяцев. Это длительный и непростой переход, так как требует эмоционального погружения.

Здесь используется практика визуализации: представление сцен и ситуаций, которые могут быть связаны с задумкой автора. Также рекомендуется обсуждать с репетитором или коллегами ноктюрны, сюиты и этюды любимых пианистов или скрипачей.

Ведение дневника чувств и мыслей о разучиваемом объекте часто способствует ускоренному прохождению этой ступени. Полезно сравнение с литературными или живописными картинами для лучшего восприятия контекста.

3. Применение техник исполнения

Технические навыки солиста играют ключевую роль в передаче художественного выражения. На этом этапе исполнитель начинает применять технику к ранее усвоенному нотному прочтению.

Этот период может длиться недели или месяцы, в зависимости от степени трудности задания и навыков исполнителя.

На этом шаге отрабатываются сложные пассажи, применяются различные динамические и палитровые решения.

Здесь уделяется внимание тренировке отдельных отрезков с акцентом на выражение.

Можно использовать метроном для достижения чистоты звучания вместе с эмоциями.



4. Объединение всех элементов

На этой фазе музыкант объединяет все изученные элементы, создавая целостную нотную иллюстрацию. Это важный момент, когда ноты начинают звучать как единое целое.

Может занимать как несколько репетиций, так и более значительное время становления в зависимости от профессионализма аккомпаниатора и сложности произведения.

Здесь прорабатывается фразировка, ритм, динамика и создание целостного волнового движения композиции.

Полезно записать и прослушать свои номера для последующего анализа.

Роль учителя музыки в создании музыкального видения

Педагоги играют ключевую роль в формировании художественно-музыкального вкуса, направляя и поддерживая студентов, делясь своими знаниями и опытом. Важнейшая задача наставника — помочь воспитаннику найти свой собственный голос и интерпретацию пьесы.

Ниже рассмотрим немного подробнее, как именно преподаватель может влиять на формирование художественного воображения.

Направление и поддержка:

• помогает учащемуся с освоением структуры музыкального рисунка;


• обеспечивает необходимые методы анализа и интерпретации, что позволяет ученику получить более глубокое представление о его содержании;


• может предложить ученику рассмотреть каждую часть пьесы по отдельности и обсудить, какие переживания она вызывает. Это может быть сделано посредством задавания вопросов: «Как вы себя чувствуете, когда звучит этот фрагмент? Какие изображения он вызывает?»

Обогащение эмоционального контекста

Бывалые инструменталисты часто делятся знаниями о композиторе, историческом контексте, в котором была создана композиция, и её особенностях. Это помогает студенту понять источник душевных состояний, скрытых в звуках.

В ходе обсуждения, например, работ Шопена можно рассказать о личной жизни знаменитости, его переживаниях. Воображение поможет ученику ощутить то же самое волнение в процессе проигрывания.

Развитие техники

Опытные специалисты музыкальной школы «Браво» дают советы студентам, как овладеть необходимыми навыками и техниками, которые помогут им лучше передать своё представление о музыке. Предлагаются определённые упражнения для отработки трудных фрагментов, а также специальные тренировки на развитие координации рук или тренировки динамики, если ученик испытывает сложности с определенными пассажами.

Обратная связь и корректировка

После каждого выступления или репетиции педагог даёт оценку, фокусируясь на сильных и слабых сторонах игры. Это облегчает юному дарованию понимание, что следует исправить для достижения нужного композиторского видения.

Запись выступления с дальнейшим разбором — отличный способ выявить, где переходы между фразами звучат не так, как задумано, и что нужно сделать для улучшения.

Как говорил знаменитый пианист Святослав Рихтер: «В музыке главное — это почувствовать то, что было задумано композитором, и передать это через своё восприятие». 

Это подчеркивает, что в конечном итоге успешный концерт — это синтез технических навыков и глубоких ощущений, что и составляет суть художественной концепции.

Работа над передачей персонажей и декораций через мелодию — это не конечная задача, а путь, который вдохновляет и обогащает каждого исполнителя.

Если хотите пройти этот путь с музыкальной школой «Браво», ждём вас на бесплатном пробном уроке.

+7 928 108-80-86 Алина
+7 928 134-02-93 Екатерина

Читайте также

• Стадии формирования и совершенствования исполнительских навыков в музыкальной школе


• Артикуляционная гимнастика: путь к чёткой речи


• Разнообразие техник вокала